Director de tesis. Agudo Tercero, Antonio

Crisis y Pervivencia de la Figura Humana en la Pintura Contemporánea.
La tesis plantea desde un punto de vista interdisciplinar, un panorama sobre el que establecer un debate en torno al descrédito de la representación pictórica de la figura en relación con su protagonismo absoluto en el arte del pasado. A partir del análisis de ciertos factores históricos, culturales  técnicos y artísticos que influyen en este descrédito de la figura y de la pintura durante la segunda mitad del siglo XX, se intenta rastrear cuales son las relaciones que aún pueden establecerse entre el cuerpo como tema artístico, su representación por medio de imágenes de toda naturaleza y la posible persistencia de estas imágenes en el medio pictórico.   Con estas premisas, la tesis se divide en tres partes que tratan de esclarecer cuales son las continuidades entre cuerpo, arte, imagen y pintura. En la primera parte se rastrean las nuevas posiciones del cuerpo como factor creativo en ciertas propuestas del arte contemporáneo alejadas de la figuración y de los soportes tradicionales. La segunda parte trata de aproximarse a las funciones socioculturales de la representación del cuerpo en imágenes; a través del análisis de las tendencias figurativas contemporáneas, y en relación con los nuevos medios de creación y difusión de imágenes, se evidencia la relación de la imagen del cuerpo en los procesos de constitución de identidad de los sujetos de un sistema. Por su parte, el tercer tramo del estudio indaga sobre las posibilidades de continuidad de esa representación del cuerpo en imágenes desde el medio pictórico, a través del estudio de una serie de pintores contemporáneos pertenecientes a la llamada Escuela de Londres; la obra de estos pintores aporta la posibilidad de concretar cuáles son las cualidades específicas de la pintura en relación con el cuerpo representado.   Comienza a entreverse, con el anterior desarrollo, una realidad compleja que nos hace detener nuestra reflexión sobre esa crisis aparente de la figura humana en el arte y la pintura. La intención de nuestro estudio, como se viene sugiriendo, es antes de nada comprender tal complejidad; éste ya nos parece un objetivo suficiente legítimo como para dedicarle nuestra atención. No obstante, nuestra Tesis tiene bajo este posicionamiento una doble vocación en lo que se refiere a su aportación objetiva. Por una parte propone una aplicación práctica del trabajo, dirigida fundamentalmente al progreso de la actividad docente, que dedica al estudio de la figura humana gran parte de la formación de futuros profesionales de las artes. En segundo lugar, y no menos importante, existen una serie de objetivos dirigidos a la ampliación del análisis y compresión general de algunas facetas frecuentemente descuidada en las teorías del arte, sobre un medio puesto actualmente en entredicho como es la pintura. En cuanto a sus fines prácticos inmediatos, esta experiencia pretende conseguir ciertos objetivos concretos de utilidad manifiesta para el desorientado estudiante de Bellas Artes: La primera intención es la de ofrecer un material útil y clarificador para la reflexión y creación sobre este problema. Al aglutinar soluciones expresivas, dadas por autores contemporáneos, la investigación tiende a crear un documento de interés que funcione como incentivo o como simple material de reflexión sobre la materia. No se trata de un manual de condiciones regladas, sino de una referencia orientativa. Por otra parte, esta referencia aspira a convertirse en una base para la construcción de un sistema didáctico actualizado sobre el tema, que sepa dar respuesta a la cambiante situación en que se  encuentra inmerso el alumno de Bellas Artes. Una didáctica del estudio a través de la recreación de conceptos y del protagonismos del pensamiento sobre la acción, se convierte en imprescindible a la hora de suplir las carencias que, sobre el tema que nos ocupa, sufre una disciplina tachada (a veces con razón, a veces sin ella) de un excesivo academicismo artesanal, y necesitada de cierta actualización. Entendemos que la figura humana ha demostrado ser imprescindible como objeto de estudio en la formación de aspirantes a artistas, y desde este convencimiento se pretende aportar una actualización necesaria para su transmisión, en la que intervengan entroncándose con la mencionada tradición, tanto los nuevos medios técnicos, como los nuevos conceptos que rodean a este tema. En lo referente a objetivos de interés teórico y documental al nutrirse de experiencias no sólo procedentes del campo artístico o histórico, esta investigación pretende, otorgar una nueva dimensión creativa a la figura, favoreciendo nuevos puntos de vista sobre sus posibilidades. Se persigue rehabilitar y fomentar el debate sobre un sujeto de gran aportación y tradición cultural, facilitando su desarrollo. La intención no es hacer apología de la figura de forma gratuita e inducida, sino abogar por sus valores artísticos y didácticos, argumentando las posibilidades de su vigencia y sus constantes aportaciones a la creación. Como objetivo paralelo se intenta tomar el pulso a partir de un tema parcial, a la problemática situación actual entre el arte y sus relaciones sociales. La enraizada disputa entre el arte oficial y el gran público obedece a múltiples factores, muchos de los cuales se relacionan tangencialmente con el tema que analizamos. La desconfianza y la falta de entendimiento entre estos sectores parte, en cierta medida, de la misma coyuntura que la decadencia figural, de forma que el estudio de ésta puede resultar revelador sobre la génesis de conflicto. Igualmente se trata de favorece la comprensión de la fenomenología artística contemporánea desde dentro de la misma actividad creadora. El artista, puede y debe colaborar con su insustituible punto de vista, al conocimiento teórico y crítico de las artes; desde un punto de vista capaz de distinguir todos los factores que actúan en la concepción de una obra. A partir de esta visión facilitada por la intervención directa en el proceso creativo, el proyecto cuenta entre sus objetivos con la intención de plantear un sistema de análisis comparativo, que pretende relacionar la dispersión del arte contemporáneo con sus antecedentes históricos, propiciando la comprensión de la compleja plástica actual a través de estas relaciones. Dentro de esta indagación global, también se cuenta entre nuestros objetivos, el interés de profundizar en la actividad de ciertos autores y escuelas, “modelos” de compromiso figurativo en la pintura contemporánea. Autores que servirán de estudio concreto en la argumentación de nuestras hipótesis y que han sabido ofrecer soluciones renovadoras al uso de una desprestigiada figura humana a través del soporte pictórico y sus posibilidades expresivas. En cualquier caso, se trata de analizar la legitimidad posible de un tema continuamente puesto en entredicho en la contemporaneidad. Volviendo a la preocupación básica que acompaña a todas las preguntas planteadas por este proyecto, su sentido dentro de la práctica artística y pictórica. Como último objetivo, conceder el beneficio de la duda a la posible existencia de un nuevo humanismo artístico, que lejos de una intención retrógrada, se comprometa con la época presente desde el filtro necesario que proporcionaría la visión renovada del ser humano y su relación con el entorno; seminarios como “El cuerpo humano en la postmodernidad” organizado por el Departement Teoría del Llenguatges, Universitat de Valencia, o la exposición abierta en el Palazzo Grassi durante la bienal de Venecia en 1995 sobre la figura humana interpretada por los grandes maestros del siglo XX, entre otros eventos relevante, dan fe de la reivindicación del ser humana en el arte no como “remake” de estéticas pasadas, sino como inagotable y necesaria fuente de expresión y vehículo de ideas a través del arte.
La mujer como tema en la representación pictórica occidental. Imagen femenina vs masculina. Desde finales del siglo XIX hasta la década de los setenta del siglo XX.
Como toda tesis doctoral debe plantear un problema y no ser una mera descripción, hemos intentado con este trabajo, levantar esa fina capa de la apariencia y analizar las representaciones estudiando las diferentes causas, ya sean de índole personal, ambiental, cultural o social, que motivaron las representaciones pictóricas de la figura femenina, a partir de la irrupción, paulatina, de las mujeres en todos los ámbitos.Como objetivo primordial a destacar, la búsqueda de unas capacidades en las mujeres tan óptimas para la creación artística como sus congéneres masculinos. En este apartado, debemos recordar la conceptualización de Averroes sobre el desfase entre los géneros, basado en el destino impuesto a las mujeres:Nuestro estado social no deja ver lo que de sí pueden dar las mujeres. Parecen destinadas exclusivamente a dar a luz y a amamantar a los hijos, y ese estado de servidumbre ha destruido en ellas la facultad de las grandes cosas… De aquí proviene la miseria que devora nuestras ciudades.Como segundo objetivo, poner de relieve el papel “desestructurador” de la sociedad industrial, como soporte de la independencia económica y social, dado que en la base del desfase entre los géneros se encuentra la dependencia radical de la mujer. En este apartado abordamos la crítica a la razón patriarcal que sustenta la “división del trabajo”, como explicación y justificación de su “incapacidad” creativa.El tercer objetivo es desentrañar los mecanismos de la conducta social que se apoyan en el “status” biológico del sexo femenino, para la creación de mitos descalificadores; dicho de otra forma, la “invención” de unas creaciones culturales como verdades naturales.Y, finalmente, como cuarto objetivo, la relación entre liberación femenina integral (sin división de clase) y aportación burguesa en los apartados de la creación de “cultura” a cargo de las mujeres. Aquí, nos interesa destacar los modelos adoptados por las elites en sus conquistas, que impregnan e ilustran a las clases menos favorecidas por su “status” social y cultural. También podemos decir, del papel liberador de la cultura.